Quand j'ai entendu pour la première fois la musique de Lily Seabird via son deuxième album, 2025's Montagne des déchetsje l'ai insérée dans la scène country alternative des années 2020 qui a explosé ces dernières années. Et il y a une bonne raison à cela : sa chanson « Trash Mountain (1 pm) » est l'incarnation du genre de rock indie vibrant qui est devenu monnaie courante à la suite des percées de Waxahatchee et MJ Lenderman. Cependant, il s'avère que cette chanson n'est pas entièrement représentative du travail de Seabird – et elle ne décrit certainement pas la totalité de l'œuvre de Seabird. Des sphères lumineuses en routeson dernier album.
Alors que l'influence de Neil Young résonne à travers les entraînements de guitare hargneux de « Portal To The Past », la majeure partie du disque est occupée par de longues chansons avec beaucoup d'espace vide et un bourdonnement perceptible, deux caractéristiques d'une autre influence centrale, le Velvet Underground. Elle a également nommé Grateful Dead et Ween comme sources d'inspiration, bien que toute suggestion selon laquelle Seabird aurait dérivé sur le territoire des jam-bands soit au mieux réductrice. Elle recherche une sorte d'expansion qui ne repose pas sur des démonstrations de prouesses instrumentales, mais plutôt sur une forme plus ruminative d'exploration patiente qui se connecte aux vibrations les plus sombres de ces actes susmentionnés.
Originaire de Pennsylvanie – le fandom Ween est local – Seabird a déménagé après son adolescence à Burlington, dans le Vermont, avec son ami et collaborateur Greg Freeman, un autre auteur-compositeur-interprète talentueux avec des connotations occasionnelles de country alternatif. Après avoir joué dans le groupe de Freeman pendant une longue période, elle a finalement créé son propre projet, adoptant une forme mutilée de son nom de famille, « Seward », basée sur un surnom méchant offert par un ex-petit-ami, une anecdote qui a ensuite été répétée dans ses critiques d'album et ses interviews. « Je me demande s'il lit ça », a-t-elle ri.
Vous avez récemment joué à l'Americana Fest à Nashville et je me demande comment cela s'est passé pour vous. Tout simplement parce que « Americana » en tant que label peut être un peu lourd, d'une manière qui ne s'applique pas vraiment à votre musique. Même si une partie de ce que vous faites ressemble à du country rock indépendant.
Je ne pense même pas que je fasse du country rock. Je pense que c'est un très long parcours, mais je continue à me retrouver dans cette situation.
Vous sentez-vous mal interprété lorsque vous êtes placé dans cette zone Americana ? Ou même du country alternatif ? J'ai écrit sur vous dans ce contexte.
Je suis vraiment reconnaissant envers mon équipe et tout ce qu'ils ont essayé de me faire faire ou m'ont fait faire. Je suis également très reconnaissant envers tous les endroits qui m'ont fait jouer la semaine dernière et qui veulent m'avoir dans les concerts. C'est juste que je ne me sentais pas vraiment à ma place. J'ai grandi en Pennsylvanie; Je ne viens pas du sud. Je n'ai pas grandi avec la musique country. J'ai grandi avec le punk rock et Ween and the Grateful Dead. Mais je pense qu'il y a eu cette vague de country alternatif et de musique avec du Pedal Steel, et parfois je me demande si je suis dans ce domaine parce que j'ai joué dans un autre groupe qui avait du Pedal Steel. Bien que le nouvel album de Greg ne corresponde pas vraiment non plus, même si ce groupe s'intégrait définitivement à l'époque. Et j'ai tourné avec Florry, et Francie a dit qu'elle faisait du country rock, donc c'est peut-être par association. J'ai beaucoup d'amis qui, je pense, font un peu plus de country rock que moi. C'est comme « un auteur-compositeur-interprète rock'n'roll », un terme que m'a dit Tyler du groupe Good Looks. C'est encore assez large, mais je pense que la musique folk et country semble vraiment être probablement plus une question d'écriture de chansons que tous les groupes de guitare chorus du début des années 2010 que j'écoutais quand j'apprenais à jouer de la guitare. Alors peut-être que c'est ça. Nous nous sommes débarrassés des pédales de chorus et les gens ont commencé à jouer des Pedal Steel, mais je n'ai pas de Pedal Steel ni de pédale de chorus dans mon groupe.
« Portal To The Past » me semble être celui qui ressemble le plus au country rock. Il y a une ambiance Neil Young.
Mais Neil Young est-il du country rock ?
je dirais Récolte est la quintessence du country rock. Mais une grande partie de son catalogue est tout autre chose.
« Trash Mountain (1pm) » était le premier single de mon dernier disque, sorti il y a déjà un certain temps, et je l'ai enregistré il y a encore plus longtemps. Mais cela a définitivement une ambiance américaine. Cette chanson contient des guitares acoustiques et un harmonica. Depuis, j'essaie de m'évader de la prison de « Trash Mountain (13h) » parce que ce n'était qu'une partie de ma personnalité. Mais c’était la première fois que je sortais un disque sur un label et que j’avais un publiciste et une équipe. C'était peut-être la première chose de ma part qui a voyagé au-delà de Burlington et de New York.
Mais oui, je m'en fiche. Cela n'en vaut pas la peine. Si vous voulez m'appeler Americana, country rock, certaines personnes appellent ça du psych rock, ce que j'ai dit : « Whoa, c'est un truc fou. Je ne sais pas si c'est du psych rock. » Je ne sais pas ce que c'est.
Ce qui me frappe dans ce disque, c'est l'espace. Vous laissez ces chansons se dérouler lentement et vous n'intégrez pas beaucoup de musique ou de bruit dans les parties entre les notes.
Eh bien, j'écris de très longues chansons, je pense, en général. Pour tous mes disques, si vous regardez les horodatages des chansons, je pense que la durée moyenne de mes chansons est d'environ six minutes.
Mais j'ai l'impression que les chansons auraient pu être plus courtes si vous ne les aviez pas laissées s'étaler.
L’atmosphère qui précède la chanson, qui donne réellement l’ambiance et donne le ton au lieu de se lancer immédiatement dans celle-ci, est importante. Beaucoup de choses peuvent être communiquées sans mots. Ce sont des chansons qui traitent du temps et de la façon dont nous le percevons, il est donc logique que pour pouvoir contempler ces thèmes, il y ait du temps pour le faire.
C'est vraiment un dossier de patient.
J'ai tiré cela de beaucoup de mes influences. Certains de mes auteurs-compositeurs préférés ont de longues chansons avec des parties qui permettent de mieux s'imprégner. Je déteste quand une chanson se termine trop tôt et que je me dis ensuite : « Oh, je dois la réécouter. » Je pense que Bruce Springsteen a en fait une énorme influence sur moi, et il a des chansons assez longues, des ballades, dont j'ai définitivement tiré mon influence. Je suis aussi un grand Deadhead, donc je pense que quelque chose vient de ça. Je pense qu'il y a aussi quelque chose dans le bourdonnement. Beaucoup de ces chansons, j'ai ma guitare accordée, donc il y a toujours une note bourdonnante qui passe partout, surtout toutes celles situées en plein milieu. C'est comme une méditation. Cela crée quelque chose dans l’esprit qui me satisfait au moins. « The Pulley » est le morceau d'ouverture, et si j'avais pu faire ce que je voulais, cela aurait commencé quatre minutes avant que je commence à chanter. « Portal To The Past » durait presque 11 minutes et j'ai dû m'en débarrasser en partie. Peut-être qu'un jour j'aurai des versions étendues de ces chansons qui sont mes versions.
Je suppose que maintenant que je dis cela à voix haute, vous avez prononcé le mot « patient », c'est drôle de sortir quelque chose d'aussi patient et long dans une période de gratification instantanée. Je veux dire, il y a quelque chose qui, je pense, a traversé l'esprit de certaines personnes lorsque je me suis dit : « Voici mon disque, tout le monde », c'était comme : « Quelle est la chanson de la radio ?
Vous avez mentionné les Dead, qui sont apparus dans les critiques du disque. Mais quand tu parlais de drone, ça me faisait penser au Velvet Underground.
Eh bien, j’allais dire que le Velvet Underground est aussi l’un de mes groupes préférés.
Vous aimez plus le minimalisme que le jam.
J'aime la répétition pour toujours. C'est ainsi que se déroule la fin de « Lightspheres On Their Way ». Quand nous le jouons en live, nous durons très longtemps, puis nous nous taisons et nous devenons plus forts, puis ça se brise. L'une de mes plus grandes influences quand j'étais enfant était le groupe du Velvet Underground. Vivez au Max's Kansas City. Je l'avais en vinyle. C'était ça et j'ai eu l'opération Ivy. J'avais ces deux disques.
Cela pourrait être une sorte d’observation banale de critique musical à faire, mais y a-t-il quelque chose dans ce drone qui reflète d’une manière ou d’une autre les paroles, qui ont souvent à voir avec le chagrin et la mémoire et comment ces choses ressemblent à un drone dans votre esprit ? Y a-t-il quelque chose à cela ?
Je pense que oui. Je n'y pensais pas quand je le faisais, mais ce que j'apprécie vraiment dans la musique, c'est quand j'ai l'impression que les thèmes des paroles se reflètent dans la musique. Je pense que Leonard Cohen fait un très bon travail dans ce domaine, et je pense que c'est quelque chose que j'ai toujours essayé d'imiter. La plupart du temps, tout au long de la création de mes chansons, j'ai imité cela à travers la dynamique, comme le côté fort/silencieux. Je fais ça beaucoup. Je me souviens juste que j'étais en classe d'orchestre quand j'étais enfant et que mon professeur d'orchestre me disait : « La chose la plus importante, c'est la dynamique », quand j'étais avec mon saxophone. C'est comme si « cette pièce ne bouge pas si ce n'est qu'un seul son tout le temps ».
J'ai l'impression que chez les auteurs-compositeurs-interprètes, l'accent est parfois tellement mis sur les paroles que la musique semble être négligée. Mais vous semblez penser autant aux textures musicales qu’aux paroles.
Je pense que c'est parce que j'ai passé beaucoup de temps dans le groupe. J'ai joué dans tellement de groupes. J'ai joué dans tellement de groupes où je ne suis pas le leader. Honnêtement, cela ne fait que deux ans et demi que je fais Lily Seabird. Avant cela, chaque once de mon énergie était consacrée au projet de Greg Freeman. Je pensais vraiment à la musique parce que je n'étais pas l'auteur-compositeur. Donc, je pense que de cette façon, être dans le groupe, être juste quelqu'un qui fait partie du groupe d'un auteur-compositeur m'a influencé sur la façon dont je vais faire sonner mon groupe ou sur la façon dont il va fonctionner. Je pense que de cette façon, nous n'avons pas vraiment de chose classique dans mon groupe où c'est l'auteur-compositeur du groupe. Nous sommes un groupe, même s'il s'appelle mon nom.
Avant de te laisser partir, je dois te poser des questions à propos de Ween. Parce que tu aimes Ween et j'aime Ween. Avez-vous un album préféré?
J'aime vraiment le live, le live Ween qui contient les cinq versions de « The Stallion ». C'est quoi celui-là ? Il a une couverture en noir et blanc.
Toutes les demandes en direct.
J'adore déchirer celui-là parfois. J’aime vraiment un album live, pour être honnête.
Ah moi aussi.
Je pense que c'est quelque chose que j'aime tellement chez Ween, c'est qu'aucun de leurs albums ne sonne de la même manière et qu'ils n'ont jamais rien fait parce que quelqu'un leur avait dit de le faire. Il semblait qu’ils faisaient simplement ce qu’ils voulaient. Et puis le live était juste un groupe de rock fou. C'est tellement génial.
Je les ai vus beaucoup à l'époque, mais en les voyant en 2007, c'était le public le plus sombre auquel j'ai jamais fait partie.
Ce sont des vibrations sombres.
C'était très drogué et bizarre. C'était comme Altamont.
L'ambiance dark des jam-bands, je les connais bien, et c'est quelque chose qui te change et qui te fait vraiment bizarre quand tu vois ça arriver. Honnêtement, j'aborde certaines de ces vibrations sur ce disque.
J'allais dire que ton disque ne sonne pas comme celui de Ween, mais il ressemble à l'air au-dessus du concert de Ween. Cet air sale et lourd.
Ouais, c'est l'impression du public de Ween.
